Le nouvel album de Julian Lage, « Scenes From Above », s’inscrit dans la continuité de tout cela. C’est un disque d’une chaleur et d’une ouverture exceptionnelles, aux accents de jazz, de blues et de ce qu’il appelle la « musique folklorique », comme les chansons de la légendaire chanteuse et compositrice péruvienne Susana Baca ou les débuts du calypso.

L’histoire de ce cinquième album pour Blue Note remonte à la résidence de quatre jours de Lage au festival SFJAZZ de la côte ouest en 2024. Un élément de sa contribution a été la première d’un nouveau quartet composé de vieux amis qui n’avaient jamais enregistré ensemble auparavant : le bassiste de longue date Jorge Roeder, Kenny Wollesen à la batterie et le claviériste John Medeski.

L’idée a germé. En collaboration avec le producteur Joe Henry, elle a donné naissance aux neuf compositions qui forment « Scenes From Above », enregistrées en deux jours au légendaire studio indépendant new-yorkais Sear Sound. La musique est empreinte de générosité ; les musiciens jouent ensemble sans chercher à impressionner.

Pour Lage, c’était un choix délibéré, au service de la musique. « Si j’étais venu avec l’intention de prouver mes talents de musicien, cela aurait été l’antithèse même du service rendu à la musique », explique-t-il. Ses professeurs, qu’il cite – son père Mario Lage, son premier professeur Randy Vincent, Mick Goodrick, Ali Akbar Kahn et Gary Byrne – ont tous insisté sur l’importance de l’humilité et de savoir se mettre en retrait. Ou comme il le dit : « Concentrez-vous sur la musique et toute l’intelligence y est. C’est un apprentissage de toute une vie. »

Emma Warren : Sur la scène jazz britannique, il existe de nombreuses jam sessions et sessions improvisées, regroupant des musiciens de tous niveaux, styles et expériences. Quelle place occupent ces jam sessions ou sessions improvisées dans votre vie ?

Julian Lage : On habite en banlieue, alors les gens viennent jouer ici ou on vient en voiture. J’ai toujours eu l’impression que la scène jazz londonienne est assez différente de celle de New York. Tout ce que j’entends me rappelle l’ambiance des lofts des années 70 ou 80. Il y a un côté communautaire. New York l’a aussi, mais le rythme est différent.

EW : Votre travail, et cet album, semblent très axés sur les relations…

JL : Les expériences partagées créent un sentiment d’appartenance à une structure qui atténue la solitude. On fait partie d’une communauté de penseurs, de personnes sensibles et d’acteurs. Cela favorise un esprit d’aventure. Mon rôle consistait à écrire juste assez pour nous donner une raison de nous retrouver au studio, sans pour autant entraver les échanges.

EW : Qu’avez-vous apporté à l’enregistrement du morceau d’ouverture « Opal » ?

JL : C’est la seule chanson qui ait été composée de A à Z. Ironiquement, elle n’était pas axée sur l’improvisation. On a essayé, mais au final, on a enregistré la version écrite, trois fois, avec quelques variations. Le rythme, c’est le rythme de Kenny. En tant que musicien, on a envie de rester dans cette ambiance, dans la chanson. On ne veut pas que ça s’arrête.

EW : De quelles conversations musicales vouliez-vous parler ?

JL : Il était primordial pour nous de travailler l’orchestration de l’orgue et de la guitare afin d’éviter toute impression de projet funk ou autre cliché. Il y a une certaine mélancolie, une poésie dans cette écriture. Une approche collective et introspective, un travail d’équipe empreint d’unité. Plus d’espace.

EW : Vous avez décrit l’improvisation comme une « découverte au sein d’un réseau de soutien ». Pouvez-vous nous en dire plus sur ce que cela signifie pour cet album ?

JL : D’abord, les musiciens : nous nous côtoyons depuis des années et partageons certaines expériences de vie. Nous avons tous participé aux enregistrements, aux tournées et aux concerts de John Zorn. Cela crée une compréhension conceptuelle commune. Peut-être est-ce une question d’urgence, peut-être est-ce le désir de célébrer les relations humaines.

EW : J’ai entendu une fois la musicienne de jazz, cheffe d’orchestre et compositrice britannique Cassie Kinoshi décrire l’improvisation comme une « activité communautaire »…

JL : C’est génial. Magnifique. Je suis tout à fait d’accord. J’ajouterais que l’improvisation a une longue tradition. C’est une tradition structurée avec une multitude de sous-catégories. Paul Bley est très différent de John Abercrombie ou Louis Armstrong, et pourtant, tout est lié. Ce n’est pas comme se jeter dans le vide sans parachute. Je suis un peu déçu quand on présente l’improvisation comme une fantaisie. Alors oui, il y a une communauté et une structure, et c’est à portée de main.

EW : De toute évidence, on parle souvent de votre maîtrise. Où vous situez-vous en tant que musicien, actuellement ?

JL : Cela implique une certaine conscience de soi, ce qui me semble important : prendre conscience de sa propre situation. Je me souviens qu’à mes débuts, on pensait qu’il fallait toujours détester ce qu’on jouait, car c’est comme ça qu’on progresse. Puis, à l’adolescence, j’ai côtoyé des musiciens qui jouaient un solo et s’exclamaient : « C’était génial ! » Je ne savais pas qu’on avait le droit d’aimer ça ! C’est un concept simple, mais percutant. Si c’est notre point de départ, alors j’essaie de jouer et de m’investir dans quelque chose de significatif. J’ai l’impression d’être au tout début.

EW : Dans quel sens ?

JL : J’apprends beaucoup sur la résonance, surtout en jouant ces concerts solo [ World’s Fair ] . Ce qui compte, c’est votre présence à l’atmosphère telle qu’elle est. Vous êtes très dépendant de votre environnement, et vous appréciez cela – « OK, cette salle a cette résonance » – et vous travaillez avec. Vous n’essayez pas de faire le malin ou de l’ignorer. Cette interdépendance m’enthousiasme. Je veux y répondre au mieux de mes capacités.

EW Donc, il s’agirait de l’espace physique plus les personnes qui s’y trouvent…

JL : …et votre propre système nerveux. Votre système nerveux, pendant que vous jouez, influence votre façon de traiter l’information. Vous pourriez faire un diagnostic complètement erroné à cause de l’adrénaline. Vous pensez avoir besoin de plus de son parce que vous êtes essoufflé, alors qu’en réalité, vous êtes essoufflé parce que vous avez produit trop de son, et votre corps essaie maintenant de se réguler.

EW : C’est incroyable.

JL : Oui, c’est énorme. Le plus beau, c’est que le son, à mon avis, est une force de guérison. On ne peut pas voir cette force invisible qu’on appelle les ondes sonores, mais on peut la ressentir. C’est à la fois très émouvant et passionnant.

---

Emma Warren a beaucoup écrit sur le jazz britannique. Parmi ses ouvrages figurent Make Some Space: Tuning into Total Refreshment Centre , Steam Down: Or How Things Begin et Dance Your Way Home . Son dernier livre , Up the Youth Club, a été désigné Livre de l’année par l’Irish Times.

---

_{Image d’en-tête : Julian Lage. Photo : Hannah Gray Hall.}