Tout au long de l’histoire du cinéma, le jazz a été utilisé avec brio dans de nombreuses bandes originales. Parmi les exemples les plus célèbres, citons la musique d’Herbie Hancock, récompensée par un Oscar, pour Round Midnight (1986) de Bertrand Tavernier, la partition entièrement improvisée de Miles Davis pour Ascenseur pour l’échafaud (1958) de Louis Malle et celle de Duke Ellington pour Autopsie d’un meurtre (1959) d’Otto Preminger. De nombreux maîtres de la musique de film, tels que Bernard Herrmann ( Taxi Driver ), John Williams ( Arrête-moi si tu peux ), Elmer Bernstein ( Le Grand Chantage , L’Homme au bras d’or ), Jerry Goldsmith (le thème principal envoûtant de Chinatown ) et Henry Mancini ( La Soif du mal , La Panthère rose ), ont également composé des musiques teintées de jazz.

Il y a eu des films où la nature improvisée du jazz a interagi avec la nature improvisée de la réalisation cinématographique, comme Shadows (1958) de John Cassavetes avec une musique de Charles Mingus ; des films où le jazz a été une voie d’accès à la psyché des personnages, comme l’expert en surveillance jouant du saxophone interprété par Gene Hackman dans le magistral The Conversation (1974) de Francis Ford Coppola ; des comédies sur le jazz ( Certains l’aiment chaud ) ; des films sur des musiciens de jazz ( Bird , Round Midnight, Mo’ Better Blues ) et des films où le jazz a été utilisé pour aider à situer l’époque ou le lieu ( Gatsby le Magnifique, The Brutalist ).

Parmi tant d’exemples, voici une sélection de quelques moments particulièrement exceptionnels…

Le talentueux M. Ripley (« My Funny Valentine » de Chet Baker Sings) –

(et LA Confidential (« Look for the Silver Lining » de Chet Baker Sings))

Pour les amateurs de thrillers de qualité, il est facile de se remémorer avec nostalgie les années 1990 comme un âge d’or où Hollywood investissait des budgets colossaux dans des thrillers somptueux et intelligents, portés par des acteurs de renom. Pour quiconque se sent à la croisée des chemins entre thrillers et jazz, ces deux films sont incontournables.

Ces deux films sont des films d’époque se déroulant dans les années 1950, tous deux utilisent le jazz de cette période pour créer une ambiance particulière et, plus précisément, tous deux présentent des morceaux tirés de l’un des plus grands albums vocaux de jazz – « Chet Baker Sings ».

Le jazz est omniprésent dans Le Talentueux Mr Ripley et joue un rôle central dans l’intrigue. L’escroc Tom Ripley (Matt Damon), mélomane averti, se fait passer pour un passionné de jazz afin de s’immiscer dans la vie de Dickie Greenleaf (Jude Law), un élégant amateur de jazz. Le film fait la part belle au jazz dans sa bande originale et propose des performances de jazz en direct à l’écran (mettant en vedette plusieurs musiciens de jazz britanniques, notamment le trompettiste Guy Barker). « My Funny Valentine » apparaît pour la première fois sur la bande originale dans la version de Chet Baker, au début du film, lorsque le personnage de Matt Damon découvre cette musique. Elle devient un moyen pour Ripley de gagner la confiance de Dickie Greenleaf, et la chanson figure plus tard sur la bande originale, interprétée par Damon lui-même.

Bien que ce soient les morceaux sous licence qui apportent les éléments jazz les plus marquants aux deux films, il convient de noter que les deux films possèdent également des musiques de film exceptionnelles – composées respectivement par Jerry Goldsmith et Gabriel Yared – toutes deux nominées aux Oscars.

Ce n’étaient pas les deux seuls grands thrillers hollywoodiens des années 90 à avoir un lien avec le jazz. Un autre grand thriller de cette époque, Le Fugitif , avec Harrison Ford, met en vedette le grand Wayne Shorter à la partition composée par James Newton Howard pour le film.

Casino («

The In-Crowd

» de Ramsey Lewis)

Le portrait brutal que Martin Scorsese dresse du contrôle mafieux d’un empire du jeu à Las Vegas figure parmi ses plus grands films, aux côtés de Taxi Driver , Raging Bull et Les Affranchis . Scorsese utilise souvent des morceaux sous licence dans ses films pour ancrer l’époque, les lieux et insuffler de l’énergie à l’intrigue. Le tube de Ramsey Lewis, « The In-Crowd », donne une énergie incroyable à une scène d’ouverture qui nous plonge dans l’effervescence du casino.

Plus tard dans le film, la chanson « A Walk on the Wild Side » de Jimmy Smith est utilisée de manière similaire.

Austin Powers :

International Man of Mystery

(« Soul Bossa Nova » de Quincy Jones)

Personne d’autre n’a insufflé au cinéma une sensibilité jazz comparable à celle de Quincy Jones. Parmi tous les musiciens de jazz qui se sont essayés à la musique de film, Jones était le maître incontesté. Son œuvre cinématographique était prolifique, et bien que son talent transcende les genres, on retrouve dans nombre de ses compositions une forte présence du jazz, à commencer par sa première bande originale pour un long métrage, Le Prêteur sur gages , en 1964.

Pour ceux qui souhaitent explorer la musique de Jones en détail sous cet angle, le récent coffret exhaustif de son œuvre, « The Legacy of Quincy Jones », est une véritable mine d’or. Face à une telle prolificité et une telle maîtrise, il est difficile de n’en choisir qu’un seul exemple. Aussi, pour contrebalancer les morceaux plus sombres et sérieux présentés ici, voici quelque chose de beaucoup plus léger et tout simplement divertissant : l’utilisation iconique de son classique « Soul Bossa Nova », qui donne parfaitement le ton à la parodie de James Bond réalisée par Mike Myers, « Austin Powers – L’Espion qui m’a tirée », se déroulant dans les années 1960.

Je ne peux cependant pas parler de Quincy Jones sans mentionner l’une des meilleures utilisations de tous les temps d’une chanson composée spécialement pour l’ouverture d’un film : «« On Days Like These » dans The Italian Job . La voix suave du crooner britannique Matt Monro, portée par les mélodies sublimes de Jones, ses harmonies luxuriantes et son orchestration d’une grande inventivité (clavecin, vibraphone, guitare acoustique, basse électrique pincée, flûtes alto, trompette bouchée – un vrai régal !), immerge parfaitement le spectateur dans le film.

Tueur de moutons («

This Bitter Earth

» de Dinah Washington)

Film méconnu du cinéma indépendant des années 1970, Killer of Sheep (1977) n’a pas bénéficié d’une sortie digne de ce nom à sa sortie, et malgré l’obtention du prix de la critique au Festival du film de Berlin de 1981 et du premier prix au Festival du film Utah/États-Unis de 1982 (précurseur de Sundance), le film est resté dans l’oubli pendant des décennies.

Tourné en 16 mm noir et blanc granuleux, avec un budget limité et principalement les week-ends entre 1972 et 1973 – pour le film de fin d’études de Charles Burnett à l’UCLA –, Killer of Sheep est un portrait néoréaliste et poétique de la vie des Afro-Américains de la classe ouvrière dans le Los Angeles des années 1970. Magnifiquement réalisé, ce film intimiste apporte une sensibilité cinématographique européenne à la vie urbaine des Afro-Américains dans le quartier de Watts, à Los Angeles, qui avait subi d’intenses violences policières et discriminations raciales à la fin des années 1960.

Burnett trouve de la poésie et de la beauté dans son portrait de cette communauté. La chanson « This Bitter Earth » de Dinah Washington est magnifiquement utilisée dans une scène poignante où Stan, l’ouvrier d’abattoir qui donne son nom au film, tente une danse lente avec sa femme. Ce moment intime, superbement cadré en un seul plan, est porté par la musique. C’est l’un des moments les plus lyriques du film.

La voix de Washington sur ce morceau a acquis une plus grande importance cinématographique des décennies plus tard lorsqu’elle a été combinée avec la composition éternelle du compositeur (et actuel nominé aux Oscars) Max Richter « On The Nature of Daylight » dans une scène clé de Shutter Island (2010) de Martin Scorsese.

Bad timing (« Part I » du concert de Keith Jarrett à Cologne )

La musique du label ECM possède souvent une ampleur, une expressivité et une qualité cinématographique qui la rendent particulièrement adaptée au cinéma. On compte de nombreux exemples d’utilisation très efficace de morceaux ECM dans le domaine dramatique, notamment le thriller hollywoodien culte Heat (1995) de Michael Mann, qui exploite l’atmosphère des compositions des artistes ECM David Darling et Terje Rypdal ; le drame policier intense Cruising (1980) de William Friedkin, qui utilise un morceau de Barre Phillips comme leitmotiv ainsi que des musiques de Ralph Towner ; et La Nouvelle Vague (1990) de Jean-Luc Godard ; sans oublier, sur le petit écran, la série dramatique acclamée Homeland (2011-2020), qui a largement utilisé le morceau « Terminal 7 » de Tomasz Stanko.

L’un des exemples les plus cinématographiques est l’utilisation de la musique de l’album solo emblématique pour piano de Keith Jarrett, « Köln Concert », dans Bad Timing (1980) de Nicolas Roeg.

Nicolas Roeg figure parmi les plus grands et les plus originaux réalisateurs britanniques, cimentant sa place dans l’histoire du cinéma avec une série de films clés dans les années 1970 : Performance (1970), Walkabout (1971), Ne vous retournez pas (1973) et L’Homme qui venait d’ailleurs (1976).

Mauvais timing (1980) « La Guerre des mondes » est sans doute le film le plus clivant et controversé de Roeg. Son propre distributeur, la Rank Organisation, l’a décrit avec humour comme « un film malsain fait par des malades pour des malades » , tandis que d’autres le considèrent comme un chef-d’œuvre. La controverse demeure. Au-delà des questions morales, la maîtrise visuelle et cinématographique de Roeg est indéniable, et le film atteint peut-être son apogée cinématographique dans les trois séquences rythmées par la musique pour piano solo de Jarrett extraite du « Concert de Cologne ». La plus marquante et la plus longue de ces séquences se situe environ une heure et quart après le début du film : quatre minutes et demie de la « Première partie » du « Concert de Cologne » soulignent une confrontation d’une intensité émotionnelle rare entre les personnages principaux, Milena (Theresa Russell) et Alex (Art Garfunkel). Roeg a rencontré personnellement Jarrett pour obtenir l’autorisation d’utiliser cette musique, ce qui confère à la scène une dimension visuelle et émotionnelle exceptionnelle.

---

Jon Opstad est un compositeur londonien qui travaille pour le cinéma et la télévision, la danse contemporaine, la musique de concert et des albums. Il a notamment composé les musiques des séries à succès de Netflix, Bodies et Black Mirror, ainsi que celle du thriller The Veil avec Elisabeth Moss, co-composée avec Max Richter. Collectionneur de disques passionné, il voue une affection particulière au label ECM.

---

_{Image d’en-tête :}