« Je suis libre. C’est grâce à John. On m’a proposé d’aller au Japon, mais je ne ferai pas 16 000 kilomètres aux conditions de quelqu’un d’autre. J’ai toujours obéi à des ordres, d’une manière ou d’une autre ; en tant que femme, j’ai toujours été soumise : servante, infirmière, cuisinière. L’homme est roi. Il doit prendre les rênes, sinon où est-il ? Dans ce pays, l’homme noir n’est pas aux commandes. Son seul espoir réside dans l’argent, qui lui permettra d’accéder à l’intimité, à la liberté, à l’indépendance… Je suis heureuse de ne pas être un homme. Je m’exprime pleinement à travers mon art et mes enfants. »

Alice Coltrane citée dans Essence , décembre 1971

En décembre 1970, peu après l’enregistrement de « Journey in Satchidananda », Alice Coltrane entreprit un voyage de cinq semaines dans le sous-continent indien. Elle se baigna dans le Gange, visita des monastères dans l’Himalaya et effectua des pèlerinages sur des sites sacrés tels que Rishikesh et le Taj Mahal. Elle passa plusieurs jours en retraite spirituelle à Ceylan (aujourd’hui Sri Lanka) et participa à la Conférence mondiale de yoga scientifique, un rassemblement de gourous, d’érudits et d’étudiants. Ce voyage, écrivit-elle plus tard, mit fin à un cycle de souffrance : « Après ce voyage en Orient, une étape essentielle de ma sadhana (lutte spirituelle) est accomplie. »

Et elle avait souffert. Quatre ans s’étaient écoulés depuis la mort de son mari, John, et deux ans depuis celle de son demi-frère aîné, le bassiste Ernie Farrow. Elle avait 33 ans, élevait quatre jeunes enfants et était plongée dans une douleur qu’on ne peut qu’entrevoir comme une étape nécessaire d’un cheminement spirituel.

Elle croyait qu’il y aurait une leçon à tirer de la souffrance, une purification de l’esprit. Elle avait poussé la discipline ascétique à l’extrême, s’engageant dans un programme de méditation intensif, parfois jusqu’à vingt heures par jour. Il y a eu des semaines où elle ne dormait que deux heures. Son poids est tombé à 43 kilos. Elle a eu des hallucinations, entendait des sons provenant des arbres et des planètes, et a dû être hospitalisée à plusieurs reprises, notamment pour des brûlures qu’elle s’était infligées. « On m’a imposé des conditions, des conditions strictes, qui m’ont coupée du monde, et à un moment donné, presque de la musique, de ma famille, de tout, car le sacrifice devait être à deux doigts de ma vie, au sens propre du terme », a-t-elle déclaré dans une interview en 1970. « J’ai constaté que toutes les questions que je pouvais avoir en tête concernant des événements futurs ou passés trouvaient une réponse. Je pense que cela m’a libérée, que cela m’a donné ma véritable indépendance. Le monde ne peut plus me réclamer. »

Lorsqu’Alice monta sur scène au Carnegie Hall début 1971, la dimension spirituelle de son œuvre s’était affirmée avec encore plus de force, nourrie par ses voyages. « Ce voyage en Orient m’a donné la motivation spirituelle de m’exprimer davantage, d’explorer plus en profondeur ma musique », confia-t-elle à Essence . « J’ai aussi écouté de magnifiques morceaux de sitar et de vina [veena] … et je vais intégrer certains des chants que j’ai entendus… une certaine essence de l’Orient. »

Le concert donné au Carnegie Hall fut l’un des nombreux concerts et enregistrements où elle rendit hommage à Swami Satchidananda, devenu son guide spirituel et qui l’avait accompagnée lors de son voyage en Inde et à Ceylan. Parmi les autres hommages rendus à son nouveau maître, on peut citer « Journey in Satchidananda », un album sorti une semaine seulement avant le concert au Carnegie Hall, et « Universal Consciousness », qu’elle commença à enregistrer quelques mois plus tard et qui sortit la même année. La pochette intérieure dépliable présentait une photo d’eux deux au bord du Gange. Alice devint même une généreuse bienfaitrice de l’Integral Yoga Institute ; en 1970, lorsque l’institut eut besoin de plus d’espace que son appartement de l’Upper West Side, elle finança discrètement l’acompte d’un immeuble en grès brun situé sur la 13e Rue Ouest, dans Greenwich Village. Cet immeuble appartient toujours à l’institut.

Bien qu’elle ait reconnu que son mari l’avait initiée au yoga et aux concepts religieux orientaux, Alice n’a jamais caché sa dette envers Satchidananda, un maître spirituel qu’elle a rencontré pour la première fois en 1969, au plus fort de son chagrin. Elle s’est produite au Carnegie Hall lors d’un concert de bienfaisance réunissant de nombreuses stars afin de collecter des fonds pour son Institut de Yoga Intégral, décrit dans le programme comme une « organisation à but non lucratif et non sectaire » promouvant « une synthèse de méthodes spécifiques qui favorisent le développement harmonieux de l’individu et l’évolution pacifique de la communauté ».

Dans l’effervescence contre-culturelle des années 1960 et 1970, les gourous indiens ne manquaient pas dans le monde de la musique. Les Beatles et les Beach Boys ont brièvement été inspirés par Maharishi Mahesh Yogi, et George Harrison par Sri Prabhupada. John McLaughlin et Carlos Santana ont été inspirés par Sri Chinmoy. Pete Townshend par Meher Baba. Satchidananda, arrivé aux États-Unis en 1966, a eu l’honneur historique de prononcer la bénédiction d’ouverture à Woodstock. « La musique est un son céleste, et c’est le son qui contrôle l’univers tout entier, et non les vibrations atomiques. L’énergie sonore, la puissance du son, est infiniment supérieure à toute autre puissance en ce monde », a-t-il déclaré avant d’entraîner la foule de Bethel dans un chant. D’une présence charismatique et d’une présence impressionnante, il comptait parmi ses disciples célèbres Carole King, l’artiste Peter Max, l’acteur Raul Julia et bien d’autres. « Il était sans conteste le plus bel être humain qui ait jamais foulé cette terre », se souvient Tulsi Reynolds, qui jouait du tamboura dans son groupe ce soir-là à Carnegie et qui figurait également sur le titre « Journey in Satchidananda ». et « Conscience universelle ». « Il était d’une beauté à couper le souffle et il ressemblait à – si vous deviez imaginer à quoi Dieu ressemble – il ressemblait à Swami Satchidananda. »

Avant d’être un moine en robe orange à la barbe fournie, Swami Satchidananda était Ramaswamy Gounder, un homme d’affaires, mari et père de deux enfants originaire de Chettipalayam, petite ville du Tamil Nadu, l’État le plus méridional de l’Inde. Né en 1914 dans une famille de riches propriétaires terriens, Gounder avait travaillé dans l’entreprise automobile familiale, dans l’industrie cinématographique et géré un temple. Dans un parallèle frappant avec l’histoire d’Alice, la quête spirituelle à plein temps de Gounder fut déclenchée par la mort de sa femme, survenue cinq ans après leur mariage. Il confia ses fils à sa mère, renonça à la vie profane et entreprit un voyage à travers l’Inde qui culmina avec son initiation monastique par Swami Sivananda, qui lui donna le nom de Satchidananda, signifiant « existence-connaissance-félicité absolue ».

Alice était attirée par l’universalité des enseignements de Satchidananda, qui promouvaient l’idée d’une unité divine au-delà des particularités des différences religieuses – des sentiments qui faisaient écho aux valeurs de son défunt mari. Mais la leçon la plus utile et la plus durable du swami, selon Alice, était un conseil pragmatique sur la manière d’aborder le travail. Son angoisse suite au décès de son mari avait été amplifiée par la responsabilité de gérer l’immensité de l’œuvre qu’il laissait derrière lui. Il y avait les albums inachevés qu’elle devrait superviser, et les questions plus générales concernant l’orientation à donner à ses idées musicales. « [John] m’a dit quelques jours avant sa mort que je devais m’en charger moi-même », a-t-elle déclaré à Newsday en 1968.

Presque immédiatement après la mort de John en 1967, Alice fonda la Coltrane Recording Corporation, qui lança également le label Coltrane Records, dans ce but précis. Elle travaillait tard le soir dans le studio aménagé au sous-sol de leur maison de Dix Hills, un studio dont John avait rêvé mais qu’il n’eut pas la joie d’utiliser de son vivant. (Roy Musgnug, l’ingénieur du son attitré d’Alice qui participa à la construction du studio de Dix Hills, raconte qu’au moment où les travaux commencèrent, John était encore vivant, mais malade, soit à l’hôpital, soit à l’étage avec une aide-soignante ; Alice se chargea donc de l’aménagement du studio.) « J’ai appris à faire du montage et à utiliser la console de mixage en observant les ingénieurs du son qui m’enregistraient… Aujourd’hui, j’ai environ 17 albums enregistrés par mon mari, en plus de deux albums personnels à enregistrer. Je dois donc coucher les enfants et descendre tard le soir pour répéter et travailler », expliqua-t-elle.

En 1968, sa société réussit à concrétiser deux projets majeurs : la sortie de l’album « Cosmic Music », comprenant des enregistrements d’archives avec John et elle-même, et l’organisation d’un concert au Carnegie Hall intitulé « Cosmic Music », qui mêlait également ses propres compositions à celles de son défunt mari.

Mais la charge de travail cumulée liée à la gestion d’un label, à la production de concerts et de disques, et à l’éducation d’une famille s’est avérée trop lourde. « J’avais une petite équipe, mais ils étaient incompétents et je devais tout faire », confiait Alice à Newsday en 1970. « Alors, lorsqu’une maison de disques m’a proposé un contrat pour produire les sessions privées de John que j’aurais montées, j’ai accepté et j’ai fermé la société. »

C’est à Satchidananda qu’Alice reconnaîtra l’avoir aidée à gérer la pression écrasante de sa charge de travail, tout en lui permettant de rester productive. Son conseil était de pratiquer le détachement dans sa vie professionnelle. « Imaginez que vous vouliez construire un bateau, construisez-le avec détachement », raconta-t-elle plus tard dans une interview de 2002 publiée dans The Wire . « Ne le construisez pas subjectivement, ne le construisez pas en plaçant toute votre confiance dans un élément technique, temporaire, banal ou matérialiste. Abordez-le avec détachement. Détachement ne signifie pas aversion, cela signifie simplement que je ne veux pas que ce projet me consume. Il le fera si je le permets. Si je m’y soumets, il finira par me paralyser et me contrôler. Je ne pourrai plus dormir la nuit, car ce sera ma seule préoccupation. Alors, je travaillerai objectivement. C’est l’une des meilleures leçons qu’il nous ait enseignées. »

Ce fut une leçon aux résultats immédiats. Un coup d’œil à sa discographie révèle une activité et une créativité exceptionnelles entre 1970 et 1972, années durant lesquelles elle s’investit pleinement dans la communauté spirituelle de Satchinanda. Parmi les albums enregistrés durant ces deux années figurent « Ptah the El Daoud », « Journey in Satchidananda », « Universal Consciousness » et « World Galaxy », des albums marquants qui ont consacré Alice comme une cheffe d’orchestre hors pair et ont vu l’émergence d’un style musical de plus en plus singulier, grâce à ses expérimentations avec de nouveaux sons, notamment le Wurlitzer et des instruments typiques de la musique dévotionnelle indienne comme le tamboura et l’harmonium. Durant cette période, elle a également participé à des albums de Laura Nyro, The Rascals et McCoy Tyner, et s’est fortement impliquée dans la préparation et le développement des enregistrements de son mari en vue de leur sortie posthume . Ces années auraient facilement pu sombrer dans une période de stagnation créative et émotionnelle ; au contraire, elles sont devenues les plus productives et les plus intenses de sa carrière discographique.

Le dimanche 21 février 1971, la nuit était plutôt froide à New York. La température avoisinait les 5 degrés Celsius à l’heure du spectacle. On imagine aisément la foule, vêtue de vestes en daim et de manteaux fourrés, sortant du métro et se dirigeant vers la billetterie du Carnegie Hall, à l’angle de la 7e Rue et de la 57e Avenue. Le prix d’entrée était unique : 6 dollars, tous vendus sur place.

Dans les semaines précédant le spectacle, la publicité suivante était parue dans The Village Voice et The New York Times :

SID BERNSTEIN présente

Une performance avantageuse

Produit net à

INSTITUT INTÉGRAL DE YOGA

LAURA NYRO

LES CRACALS
ALICE COLTRANE

Avec

PHAROAH SANDERS

Pour le spectateur occasionnel qui avait aperçu l’annonce dans le Village Voice , la programmation pouvait sembler un collage intrigant d’artistes issus de scènes apparemment disparates, mais les initiés savaient que Laura Nyro, Felix Cavaliere (des Rascals) et Alice étaient tous des disciples de Satchidananda. D’ailleurs, ils avaient tous voyagé ensemble à Ceylan quelques mois auparavant.

Comme beaucoup d’autres artistes rock et folk de l’époque, Nyro et surtout The Rascals se rapprochaient stylistiquement du jazz, Alice figurant sur leurs deux derniers projets ou projets à venir. Si la musique d’Alice se démarquait, la programmation éclectique de la soirée était en phase avec l’air du temps, des festivals majeurs comme Newport Jazz, Isle of Wight et Amougies proposant une affiche mêlant jazz, rock et pop. Même un magazine aussi spécialisé que DownBeat avait ajouté les mots « blues » et « rock » à son logo. Des promoteurs de rock intrépides comme Bill Graham, Steve Paul et, dans une certaine mesure, Sid Bernstein, ont également contribué à cette évolution.

Bernstein, qui présentait le spectacle ce soir-là à Carnegie Hall, était alors un disciple de Satchidananda. Un peu plus âgé que Graham et Paul, il était, contrairement à eux, un impresario polyvalent. Il organisait des spectacles variés, notamment des parties d’échecs publiques, et gérait également le groupe The Rascals. Il est surtout connu pour avoir présenté les Beatles à New York pour la première fois à Carnegie Hall. Les supports marketing du spectacle, y compris les publicités et le Le programme du concert affichait en évidence son logo en haut de page.

Cavaliere se souvient que le public était diversifié et pas forcément composé uniquement de jeunes. « Je me souviens que c’était une soirée formidable. Les New-Yorkais sont plus ouverts d’esprit. Ils étaient certainement plus réceptifs, moins influencés par les tendances actuelles. C’était donc un public formidable et diversifié. L’entrée à Carnegie Hall n’était pas donnée, ce qui limitait le nombre de spectateurs. Il y avait beaucoup de personnes âgées, bien avant ma génération, mais comme notre génération a pris de l’âge. Par exemple, Laura avait un grand-père extraordinaire, un homme d’un certain âge, qui est venu et qui l’a adorée. »

« [The audience was] en extase. Je veux dire, vraiment. L’esprit de cet événement s’est emparé de nous dès le début, cela ne faisait aucun doute. C’étaient tous des dévots ou des personnes intéressées par les niveaux supérieurs de conscience. Aucun doute là-dessus. »

La diversité du public s’accompagnait de divergences de valeurs. Laura Nyro ouvrit la soirée, seule au piano et avec sa voix. Durant son set de vingt minutes, selon sa biographe Michele Kort, elle livra un « rap étonnamment long sur le gourou », racontant comment elle avait demandé conseil à Satchidananda sur la manière de faire tomber un homme amoureux d’elle. « Tu dois être sa femme et son amante, tu dois être sa meilleure amie, tu dois être sa sœur, tu dois être sa mère, tu dois être sa servante », paraphrasa-t-elle. « …et alors il n’aura besoin d’aucune autre femme. » « N’importe quoi ! » s’écria quelqu’un. Ce à quoi Nyro répondit : « Vous pensez peut-être que ce sont des bêtises, mais moi, je pense que c’est vrai », une réplique qui déclencha des applaudissements.

Le concert d’Alice suivit, et le changement d’orientation spirituelle devint évident. Son concert de 1968 au Carnegie Hall était dédié au « Seigneur Cosmique Bien-Aimé », une figure plus universelle. Sa performance de 1971 l’inscrivit dans un contexte spécifiquement védique, tant au niveau du son que du message. Ce soir-là, son groupe intégra deux membres du cercle de Satchidananda – Kumar Kramer et Tulsi Reynolds, respectivement à l’harmonium et au tamboura – à un grand ensemble de jazz composé de deux saxophonistes (Sanders et Archie Shepp), deux bassistes (Jimmy Garrison et Cecil McBee) et deux batteurs (Ed Blackwell et Clifford Jarvis). Il s’agissait essentiellement d’un double quatuor enrichi – une formation rendue célèbre par le « Free Jazz » d’Ornette Coleman et « Bitches Brew » de Miles Davis. (À cette époque, la carrière de Sanders était au sommet de sa gloire, et son nom figurait comme artiste invité à la fois sur la liste des artistes du concert et sur la couverture de « Journey in Satchidananda ».)

Bien qu’il n’y ait pas eu de répétitions de groupe, Sanders, McBee et Reynolds avaient joué ensemble lors de la session « Voyage à Satchidananda » à Dix Hills en novembre précédent. L’intégration de musiciens amateurs rencontrés par Alice au sein de sa nouvelle communauté spirituelle ne plut pas immédiatement à Sanders, même s’il se sentit plus à l’aise au fil des répétitions. « Pharaon m’a lancé un regard noir, et Alice a dit : “ Pharaon !” – et il s’est arrêté », se souvient Tulsi, chanteuse de formation originaire de Brooklyn, qui avait appris le tamboura dans le cadre de son étude du raga vocal.

À Carnegie Hall, Alice a structuré son programme en un crescendo dramatique, débutant par deux nouvelles compositions, « Journey in Satchidananda » et « Shiva-Loka », instaurant une atmosphère éthérée et méditative. Elle est ensuite passée de la harpe au piano, un changement d’instrument qui a permis au concert d’atteindre un registre plus énergique avec « Africa » et « Leo ». Ces deux morceaux, tirés du répertoire de John, ont servi de points de départ, offrant aux musiciens la possibilité d’improviser librement, au-delà des contraintes de la mesure et de la structure formelle.

« Leo » était un morceau qu’Alice avait joué avec John après avoir rejoint son groupe. « Africa » revêtait également une signification particulière, car il figurait sur « Africa/Brass », un album qui, comme le rappelait un vieil ami de Detroit, le saxophoniste Bennie Maupin, la fascinait depuis sa sortie. Interpréter la musique de John était pour elle une façon de garder le contact avec lui. « Ce que je ressens en jouant sa musique, c’est une sorte de partage avec lui », expliquait-elle. « C’est comme être avec lui sur un plan mental ou spirituel. » Bien qu’on lui ait conseillé de ne pas dépasser 20 minutes pour son set, la première chanson dura à elle seule autant de temps.

Cavaliere, qui dirigeait les Rascals lors du set suivant la prestation d’Alice, était subjugué par la musique et la virtuosité dont il venait d’être témoin. « Je me souviens vaguement de l’impression d’espace… Je suis sûr que le public était un peu déconcerté, car il était difficile de saisir exactement ce qui se passait sur scène. Je crois qu’ils ont enchaîné les changements d’accords, et c’est tout ; ils se sont simplement lancés, et le plus impressionnant, c’est qu’ils avaient un talent fou. Il faut être un musicien confirmé. Sinon, ce n’est pas le genre qu’il vous faut, car il faut vraiment maîtriser un grand nombre de gammes. »

Cecil McBee partage son expérience sur scène : « L’énergie était palpable à chaque instant… Il y avait dans la salle une atmosphère qui nous invitait à être nous-mêmes, à jouer et à répondre aux attentes. » Il se souvient que la « sincère volonté d’Alice d’exprimer quelque chose », associée à l’exigence que les membres du groupe s’expriment librement dans un cadre minimaliste et intuitif, a fait de cette soirée une expérience musicale intense. « Il fallait un engagement total pour créer un espace où chacun puisse exprimer pleinement son identité, sans aucune pression… c’est extrêmement difficile à réaliser. »

McBee avait rencontré Alice vers 1962, après son service militaire. Il avait fait un bref passage à Détroit pendant un an avant de partir pour New York. Il avait assisté à quelques jam sessions du dimanche qu’elle organisait chez elle. « Elle avait une grande maison victorienne avec un vaste salon et un piano à queue au centre. C’était assez courant que les gens du coin et ceux de passage se retrouvent là-bas vers 13 heures le dimanche et jouent jusqu’à 19 ou 20 heures », raconta-t-il, ajoutant que ces sessions attiraient des musiciens comme Elvin Jones et Barry Harris. McBee décrit Alice comme sérieuse et réservée, et se souvient qu’il n’y avait pas beaucoup de conversations superficielles avec elle. « Il n’y avait pas vraiment de camaraderie, en général », se souvient McBee. « Alice était une personne très personnelle, sereine, tendre et douce, qui se présentait à vous avec un grand sérieux lorsqu’il s’agissait de musique. Mais après, elle disparaissait. » De même, Archie Shepp ignorait que Swami Satchidananda était le gourou d’Alice jusqu’à ce que, des années plus tard, il lise les notes de pochette d’un album. Mais, comme McBee, Archie se souvenait aisément du message spirituel qui se dégageait de son jeu. Il décrivait une « atmosphère religieuse dans sa musique », qu’il attribuait à ses origines de Détroit et à sa manière particulière d’articuler les accords, qui, selon lui, « [ed] quelque chose de très spirituel chez l’interprète ».

En réécoutant cette performance en direct aujourd’hui, McBee déclare : « Je n’ai jamais rien entendu de ce que j’ai joué d’aussi intense, d’aussi abouti en matière d’improvisation. C’était absolument incroyable. »

Le concert a atteint son objectif immédiat, récoltant 8 000 dollars [equivalent to $61,000 in 2023] pour l’Institut de Satchidananda, en pleine expansion, qui, entre 1970 et 1972, est passé d’un simple appartement new-yorkais à 25 centres en Amérique du Nord et en Europe. Les critiques de la soirée ont été extrêmement positives, notamment concernant la prestation d’Alice. « [Her group] était l’un des plus grands ensembles à s’être produit sur la scène du Carnegie Hall », s’est enthousiasmé Bob Glassenberg de Billboard .

D’autres ont souligné l’attrait universel de la programmation. « Il y en avait pour tous les goûts », écrivait Joe H. Klee pour Downbeat . « Les amateurs de musique underground avaient leur idole, Laura Nyro. Les jeunes passionnés de rock ‘n’ roll avaient leurs Rascals, et les fans de jazz avaient Alice in the Street, Archie et Pharoah… Je doute que quiconque ait apprécié les trois groupes avec la même intensité, mais personne n’est reparti déçu. » Dans sa critique, Klee a particulièrement salué les performances d’« Africa » et de « Leo », les qualifiant de « parmi les plus belles improvisations jouées depuis la disparition de Trane en 1967 ».

À l’époque, Ed Michel, alors directeur artistique chez Impulse Records, s’efforçait de promouvoir la musique d’Alice Coltrane auprès d’un public non initié au jazz, notamment par le biais des radios universitaires et des radios expérimentales. « Je pense qu’on peut dire que les auditeurs FM ont découvert cette musique grâce à des artistes comme Jimi Hendrix », confiait-il à Billboard en 1971. « Ces artistes débordants d’énergie. Il y a eu une sorte de transfert de cette énergie vers les vibrations similaires dégagées par John Coltrane. Puis le public a découvert Alice Coltrane, Pharoah Sanders et Archie Shepp. »

Michel a supervisé l’enregistrement du concert d’Alice au Carnegie Hall en 1971 dans l’intention de le publier. Pour diverses raisons, cela n’a pas été possible, et l’intégralité du concert est aujourd’hui disponible pour la première fois. Comme le souligne Michel dans son essai, malgré d’importantes difficultés liées au son — notamment une pénurie de microphones, empêchant ainsi la prise de son séparée du tamboura et de l’harmonium —, Michel a fait appel à un ingénieur du son expert : Dave Jones, l’ingénieur du son responsable du légendaire album « Sunday at the Village Vanguard » de Bill Evans.

Pour Alice, le concert de 1971 au Carnegie Hall avait démontré à quel point sa musique touchait un public bien au-delà du circuit jazz, notamment un public en quête de spiritualité. « Ma musique n’est pas vraiment du jazz », confiait-elle dans une interview plus tard dans l’année. « Elle est plus proche de la musique spirituelle. Elle est universelle et synonyme de liberté. » Les performances enregistrées sur « Alice Coltrane : The Carnegie Hall Concert » annonçaient les changements à venir, dressant le portrait d’une artiste en pleine émergence musicale et spirituelle. Elles offraient un équilibre subtil entre des morceaux méditatifs inspirés des chants dévotionnels védiques et l’énergie plus intense ainsi que les structures ouvertes qu’elle explorait avec la dernière formation de John. Elles préfiguraient également son choix ultérieur de jouer exclusivement pour une communauté spirituelle, hormis les occasions exceptionnelles de jouer avec ses enfants ou de rendre hommage à son défunt mari.

L’été suivant le spectacle de Carnegie Hall en 1971, Alice partit en tournée avec Satchidananda, l’accompagnant, ainsi que Peter Max, à Chicago. Ils y participèrent à une émission de télévision et elle se produisit lors d’un autre concert de bienfaisance pour l’Institut. Mais dès 1972, elle s’installa en Californie et ne se considérait plus comme une disciple de Satchidananda, ne le voyant plus que de temps à autre, pour des visites ou des spectacles. La même année, Satchidananda se retrouva au cœur d’une polémique concernant ses relations avec ses élèves ; un gourou qui, comme tant d’autres, se révéla bien trop humain.

Alice avait commencé à utiliser le nom de Turiya, signant « Turiya Aparna » sur la pochette dépliable de son album « Universal Consciousness ». En 1976, elle était devenue elle-même une swamini et avait pris le nom de Turiyasangitananda (qui signifie en sanskrit « le chant suprême de félicité du Seigneur Transcendantal »). Ce nom symbolisait son retrait total de la vie profane.

« J’avais élevé mes enfants, mon mari était décédé il y a quelques années », confia-t-elle à sa biographe, Franya Berkman. « J’étais arrivée à un stade où la plupart de mes obligations de mère au foyer étaient remplies. Cela me laissait le temps de vouloir voir, de vouloir m’épanouir, de vouloir consacrer du temps de qualité, car, vous savez, le travail d’une femme est tellement prenant ! Parfois, c’est vingt-quatre heures sur vingt-quatre. Alors, une fois ce fardeau allégé, j’ai eu plus de temps à consacrer à ma voie, et c’est ce que je fais. »

En 1982, elle fonda l’ashram Sai Anantam à Agoura Hills, en Californie, au nord-ouest de Los Angeles, dans les montagnes de Santa Monica. Elle n’était plus une élève. Sa relation avec Satchidananda était devenue une relation d’égal à égal. « C’était une personne formidable et un grand yogi. Il donnait des conférences exceptionnelles et il était très ouvert d’esprit », déclara Alice en 2003. « Après lui, je n’ai cherché de guide spirituel auprès de personne d’autre. »

Lisez la suite… L’art de la harpe jazz

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Lauren Du Graf est une scénariste et productrice basée à Seattle, dans l’État de Washington.

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_{Image d’en-tête : Alice Coltrane. Vers 1970. Photo : Archives Michael Ochs via Getty.}