À la fin des années 1950, une révolution s’est produite dans le jazz, façonnant le son du futur. Ce mouvement n’était cependant pas homogène : de nombreuses approches ont permis de dépasser les limites du cadre rigide du jazz bop.

Le plus radical était un style qui deviendrait plus tard connu sous le nom de free jazz, un mouvement qui, lui aussi, n’était pas du tout uniforme. Il a débuté avec des pionniers comme Ornette Coleman et Cecil Taylor , mais ce n’est qu’avec « Ascension » de John Coltrane en 1966 que la « nouvelle tendance » a atteint le grand public.

Les années qui suivirent furent parmi les plus passionnantes de l’histoire du jazz. La première moitié des années 1960 vit une poignée de jeunes esprits libres adopter le free jazz, tandis que d’autres suivirent l’approche expérimentale de John Coltrane et Eric Dolphy . Imprégnant leur jazz modal d’idées avant-gardistes, ces explorations donnèrent naissance à un style hétérogène qui perdure aujourd’hui : le post-bop.

On oublie souvent que nombre de musiciens de hard-bop expérimentés ont également expérimenté de nouvelles influences, ouvrant leur son sans pour autant renoncer totalement à la tradition. Inspirés par l’esprit du temps, ces musiciens et chefs d’orchestre ont instauré des formes de jeu communautaire plus démocratiques, assouplissant la hiérarchie entre « section rythmique » et « solistes ».

Inspirés par John Coltrane, des musiciens d’anches comme Jackie McLean ou Sonny Rollins procédaient à des improvisations solo en s’éloignant du centre tonal. Inspirés par Charles Mingus , les bassistes se mirent à jouer des mélodies habituellement réservées aux solistes. Les batteurs n’abandonnaient pas complètement le swing et le rythme régulier, mais ils relâchaient parfois un peu leur maîtrise de la mesure.

Les artistes ci-dessous étaient des maîtres dans leur art, mais ils n’étaient pas prêts à prendre leur retraite parce que le style dans lequel ils avaient grandi n’était plus à la mode. Ils ne se lançaient pas tête baissée dans l’atonalité et les rythmes libres, mais ils ne souhaitaient pas non plus jouer de la musique rétro dans un musée. Ils se sont donc imprégnés de l’esprit sauvage et créatif de la « New Thing » et ont insufflé à leur bop au swing brutal des idées et des techniques originales, créant ainsi des chefs-d’œuvre méconnus.

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01 Jackie McLean – Action (Blue Note, 1967)

« Au milieu des années 1960, le saxophoniste Jackie McLean repoussait les limites d’une approche plus libre et modale de son jeu, mais il était toujours imprégné du son du hard bop », conclut l’écrivain Dan Spicer dans son article sur l’album de McLean « Action », enregistré en 1964 mais sorti seulement en 1967.

McLean était un musicien aux racines bebop affirmées qui s’aventurait prudemment vers des territoires plus expérimentaux. Nat Hentoff citait le musicien dans le livret original : « Je ne veux jamais rester trop longtemps “à l’extérieur” sans revenir “à l’intérieur”. » Explorer de nouvelles directions tout en restant ancré dans les fondamentaux – selon Hentoff, c’est ce que McLean a réussi à accomplir sur « Action ».

Dans certains de ses passages les plus audacieux, on sent qu’il a été influencé par Albert Ayler à l’époque. « L’énergie est presque palpable, capturant parfaitement la quête incessante de McLean pour le choc de la nouveauté », écrit Dan Spicer. « Soixante ans plus tard, sa musique sonne toujours comme des horizons qui s’ouvrent. »

02 Lee Morgan – Search For The New Land (Blue Note, 1966)

Capturé quelques mois seulement après que Lee Morgan ait enregistré son plus grand succès – la masterclass hard-bop « The Sidewinder » – cet album montre un côté différent et plus aventureux du trompettiste et ancien Jazz Messenger.

À seulement 25 ans à l’époque, Morgan avait laissé la drogue derrière lui et cherchait de nouvelles façons de s’exprimer. Il a réuni un groupe exceptionnel composé de Wayne Shorter , Herbie Hancock , Reggie Workman et Grant Green . L’élément inattendu est le batteur Billy Higgins, dont le jeu s’inspire parfois du nouveau style freeform lancé par Sunny Murray et Ed Blackwell, sans pour autant renoncer complètement au rythme.

Comme le remarque Dan Spicer dans sa critique de « Search For The New Land », l’album reflétait un parcours personnel et « était tout aussi radical que le free-jazz abstrait qui prenait alors de l’ampleur au milieu des années 60, négociant une relation nouvelle et surprenante avec le hard bop que seul un maître de la forme comme Morgan aurait pu envisager. »

03 Freddie Hubbard – Breaking Point! (Blue Note, 1964)

Dans le milieu du free jazz, on entend souvent dire que Freddie Hubbard est le trompettiste officiel sur « Free Jazz » d’Ornette Coleman et « Ascension » de John Coltrane. Ce qui est injuste : Hubbard n’est peut-être pas un trompettiste aussi aventureux que Don Cherry, mais il est loin d’être un traditionaliste ennuyeux.

« Breaking Point ! » (1964) sort juste après le départ de Hubbard des Jazz Messengers. L’album, exclusivement composé de compositions originales, est l’un des plus diversifiés et innovants du début de la période post-bop. Probablement influencé par les expérimentations compositionnelles d’Eric Dolphy sur « Out to Lunch ! », le groupe fusionne ici des éléments de calypso avec des basses jouées à l’archet (sur le morceau éponyme d’ouverture) et interprète un blues modal en rythme de valse, à la limite du swing 4/4 (« Far Away »).

Tout en permettant à de nouvelles influences et idées de modifier légèrement le son, il existe encore Des éléments de bebop classique et le « ton majestueux » de Hubbard (Matt Phillips dans sa critique de l’album) suffisent à rendre la musique accessible. Selon Phillips, l’album « est l’un des grands succès Blue Note du milieu des années 1960 ».

04 Joe Henderson – Mode For Joe (Blue Note, 1966)

Lorsque le saxophoniste Joe Henderson enregistra «  Inner Urge » en 1964, sa musique reflétait mieux que toutes ses œuvres précédentes les bouleversements sociaux de l’époque. L’album ne sortit qu’en 1966, et entre-temps, il avait enregistré « Mode For Joe », un septuor qui allait poursuivre cette voie avec encore plus de détermination.

Le vibraphoniste Bobby Hutcherson et le pianiste Cedar Walton apportent une véritable invention harmonique qui propulse ce concert dans l’univers post-bop. Après le doublé de « Inner Urge » et « Mode For Joe », il n’était plus si surprenant de voir Henderson sur les classiques du jazz spirituel d’ Alice Coltrane du début des années 1970.

Don Was, président de Blue Note, fut un jour frappé par le mélange de « cris d’angoisse » et de « swing contagieux » de ce disque. C’était la première fois qu’il entendait un disque de jazz, et il en fut complètement conquis. Dans son article célébrant Henderson comme un « maître du ténor aux multiples facettes », l’auteur Andy Thomas s’extasie sur la façon dont cet album « met en scène Henderson et Lee Morgan dans un duel fougueux ».

05 Sonny Rollins – East Broadway Run Down (Impulse!, 1967)

Lorsque le géant du saxophone signe avec le label de jazz avant-gardiste Impulse! au milieu des années 1960, sa première sortie est étonnamment traditionnelle, comme pour affirmer ses profondes racines bop. Mais « Sonny Rollins on Impulse! » est rapidement suivi de cet impressionnant trois-titres, où son jeu passionné est profondément inspiré par Ornette Coleman, peignant des phrases bluesy riches en harmoniques sur le backbeat d’un trio sans piano.

C’est Rollins dans toute sa splendeur – le disque inclut même des effets d’écho expérimentaux, antérieurs au travail de Teo Macero pour Miles Davis. Pourtant, « même à l’apogée de l’avant-garde, Rollins n’a pas abandonné les standards », comme le souligne Matt Phillips dans sa critique de cet album souvent méconnu.

Déçu par l’industrie musicale, Rollins partit en Inde et au Japon après la sortie de cet album pour étudier le yoga et la méditation – un séjour qui le conduisit à une pause sabbatique de six ans. Comme le raconte Phillips, « son passage chez Impulse! fut une expérience mitigée, même si Rollins appréciait le producteur Bob Thiele et se reprochait, comme à son habitude, certaines décisions commerciales. Mais ces problèmes ne nuisaient pas à la musique – il suffit d’écouter. »

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Stephan Kunze est écrivain, auteur et responsable de la rédaction pour Everything Jazz. Basé à Berlin, il publie zensounds, une newsletter sur la musique et la culture expérimentales.

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_{Image d’en-tête : Freddie Hubbard, Jackie McLean, Joe Henderson, Lee Morgan, Sonny Rollins. Photo : Francis Wolff / Blue Note Records.}