Retracer les origines du jazz est aussi complexe que la fondation des États-Unis eux-mêmes. L e jazz est un amalgame d’expériences et d’influences qui façonnent sa sonorité et son style, et il continue d’évoluer au XXIe siècle. Le jazz incarne l’expérience afro-américaine – de la traite transatlantique des esclaves aux lois Jim Crow – mêlant l’instrumentation européenne (cuivres, piano, bois et contrebasse) et les structures harmoniques aux rythmes riches et complexes des Caraïbes.

Bien avant que les big bands ne dominent l’ère du swing, la fin du XIXe et le début du XXe siècle en ont jeté les bases. Entre 1880 et 1925, le blues et le gospel du Sud, le ragtime du Midwest et l’improvisation collective des premiers orchestres de La Nouvelle-Orléans ont convergé, donnant naissance à ce que nous appelons aujourd’hui le jazz et transformant radicalement notre façon d’appréhender et d’écouter la musique.

Blues et gospel

Le blues et le gospel Les spirituals constituent le socle émotionnel de la musique moderne, influençant pratiquement tous les genres, du hip-hop au rock, en passant par la pop et le R&B. Ils trouvent leur origine dans les rassemblements clandestins des « hush harbors », où des personnes noires réduites en esclavage se réunissaient secrètement la nuit, dans des lieux isolés, souvent en plein air, pour prier et trouver du réconfort loin de l’emprise de leurs maîtres. Lors de ces réunions, elles utilisaient des techniques comme les chuchotements et les chants codés, autant d’actes de résilience et de résistance face à leurs oppresseurs. Alliant les traditions orales africaines au christianisme, les réunions des « hush harbors » ont jeté les bases de l’Église noire.

À la fin des années 1880, cette tradition spirituelle avait évolué vers des chants de travail profanes et des cris de champs exprimant les luttes et les difficultés de la vie quotidienne. Souvent considérés comme les deux faces d’une même pièce, les negro spirituals et le blues partagent de nombreuses caractéristiques : une structure à 12 mesures, des techniques vocales telles que les lamentations, les gémissements, les mélismes (voix vocales) et le système d’appel et de réponse.

Dans le gospel, le chant responsorial fait écho à la tradition orale africaine, où le pasteur ou le chanteur principal entonne un verset auquel répond l’assemblée ou la chorale. Dans le blues, ce chant responsorial peut s’exercer entre deux voix contrastées ou entre un chanteur et un instrument, souvent une guitare slide, un harmonica ou un groupe complet. Des notes modulées aux cris de ralliement, le gospel comme le blues placent le chanteur au rang de messager ou de conteur.

Deux styles de blues ont grandement influencé les débuts du jazz :

Le Delta Blues, originaire du Mississippi, privilégie les performances en solo et se caractérise souvent par une plus grande richesse de textures et de sonorités, mettant l’accent sur l’énergie brute et l’improvisation tout en laissant une large place à l’expression émotionnelle. Parmi les artistes notables du Delta Blues, on peut citer Robert Johnson, Elmore James, Skip James, John Lee Hooker et Lead Belly.

Le vaudeville, ou Memphis Blues, a révélé certaines des premières féministes connues de notre époque – Ma Rainey, Ethel Waters et Bessie Smith – qui se produisaient sur le circuit du vaudeville, soit par le biais de la Theatre Owners Booking Association (TOBA), tristement célèbre pour ses bas salaires, soit par le biais de son contemporain, le Chitlin’ Circuit, qui encourageait les talents noirs en pleine période de ségrégation raciale. Considéré comme le père du blues, W.C. Handy a composé des classiques tels que « St. Louis Blues » et « Memphis Blues », et a publié ses œuvres, contribuant ainsi à codifier et à populariser le genre à travers le pays.

Rag-time

Si le gospel et le blues ont insufflé au jazz son âme intrinsèque, le ragtime lui a conféré sa précision rythmique et sa structure. Né dans le Missouri dans les années 1890, le ragtime se caractérisait par des rythmes syncopés et des mélodies distinctives sur une ligne de basse régulière, principalement au piano. La syncope consiste à accentuer certains temps, ou « temps cassés », perturbant ainsi le rythme régulier. Dans un morceau en 4/4, la syncope met l’accent sur les « 2 et 4 », c’est-à-dire les intervalles entre les temps principaux, créant un groove saccadé et entraînant.

Les trois compositeurs de ragtime les plus importants furent James Scott, Joseph Lamb et, bien sûr, Scott Joplin. Surnommé le Roi du Ragtime, Scott Joplin composa de son vivant plus de 40 morceaux de ragtime (souvent appelés « rags »), deux opéras et un ballet. Après son spectacle à l’Exposition universelle de Chicago, le ragtime devint un véritable phénomène national.

Joplin commença à publier sa musique en 1895, acquérant la célébrité et des revenus stables, notamment grâce aux ventes de « Maple Leaf Rag », largement considéré comme l’archétype du ragtime. Le ragtime et le piano stride inspirèrent les musiciens classiques de l’époque : Stravinsky, Satie, Debussy et Ives. Avec sa structure à plusieurs thèmes, l’écoute de « Maple Leaf Rag » révèle quatre sections contrastées, chacune de 16 mesures, agencées selon un schéma « AABBACCD », et caractérisées par des mélodies syncopées. Les compositions à plusieurs thèmes apprenaient aux musiciens à organiser des œuvres plus vastes, à répéter des idées et à créer une dynamique – des compétences essentielles pour les pionniers du jazz comme Jelly Roll Morton et Fletcher Henderson.

La Nouvelle-Orléans

Ville portuaire aux influences africaines, françaises, espagnoles et caribéennes, La Nouvelle-Orléans est depuis longtemps un centre culturel majeur et le berceau du jazz. Après la révolution haïtienne, la ville a connu un afflux important noirs libres et réduites en esclavage. La victoire d’Haïti sur la France a contraint Napoléon à renoncer à ses projets d’acquisition de territoires américains, ce qui a conduit à l’achat de la Louisiane, doublant ainsi la superficie du pays et créant quinze États supplémentaires.

L’expansion territoriale et la croissance démographique de La Nouvelle-Orléans ont influencé son architecture (maisons de type « shotgun »), sa cuisine (gombo, haricots rouges et riz), les festivités du Mardi Gras (les sons rara du Krewe du Kanaval) et, bien sûr, sa musique (improvisation et sens du rythme). Congo Square est un autre élément crucial du développement du jazz naissant.

Située dans le parc Louis Armstrong, dans le quartier de Tremé, la place Congo était un lieu de rassemblement pour les personnes de couleur réduites en esclavage. Elles pouvaient y jouer de la musique, chanter, danser et tenir un marché. À l’instar des réunions secrètes de Hoodoo, les pratiquants y organisaient des cérémonies spirituelles nocturnes, ponctuées de chants rituels, invoquant les ancêtres pour la guérison et la force des communautés noires.

À la fin du XIXe siècle, Congo Square devint un lieu de concert pour les fanfares locales de la communauté créole de la région. Le jazz de La Nouvelle-Orléans se caractérisait par l’improvisation collective. Dans la lignée du jeu de questions-réponses, le cornet reprenait la mélodie, la clarinette y répondait par une contre-mélodie et le trombone produisait un glissando grave, conférant au morceau son assise rythmique et harmonique.

Les techniques vocales, telles que les glissandos, ont été popularisées par le légendaire tromboniste Kid Ory. Le jazz des débuts de la Nouvelle-Orléans était une polyphonie à trois voix, soutenue par des cordes (banjo, guitare), une contrebasse ou un tuba, et une batterie, créant un son riche et vibrant qui capture l’esprit de la ville. Les défilés en rangs serrés et les marches funéraires perpétuent cette tradition. Parmi les autres pionniers qui ont joué un rôle essentiel dans le développement du jazz de la Nouvelle-Orléans, on peut citer :

Le cornettiste Buddy Bolden , qui a combiné la tradition du blues avec le ragtime.

Le pianiste et chef d’orchestre Jelly Roll Morton , considéré comme le premier arrangeur du genre, qui allait également mêler la précision du ragtime à l’improvisation et introduire la « teinte espagnole », puisant son influence dans les rythmes caribéens ;

Le cornettiste et chef d’orchestre King Oliver a introduit les sourdines dans le jazz. Son ensemble de jazz, le Creole Jazz Band, a apporté le jazz de la Nouvelle-Orléans à Chicago et est devenu l’un des groupes les plus influents des années 1920. Parmi les membres de l’ensemble figuraient le saxophoniste Johnny Dodds, son jeune frère, le batteur Baby Dodds, et Louis Armstrong, qui a déclaré que le jazz ne serait pas ce qu’il est sans King Oliver ;

Sidney Bechet est reconnu pour ses solos d’une grande expressivité à la clarinette et au saxophone soprano. Son intensité émotionnelle captive les auditeurs, annonçant la transition de l’improvisation collective à la virtuosité en solo.

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Shannon Ali (Shannon J. Effinger) est une journaliste d’art et critique culturelle indépendante. Ses articles sur le jazz et la musique paraissent régulièrement dans le New York Times, le Washington Post, le Guardian, NPR Music et Pitchfork, entre autres.

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