Il est néanmoins vrai que, dès le milieu des années 1960, des artistes de jazz majeurs ont commencé à créer une musique intrinsèquement liée à des sonorités et des idées ouvertement spirituelles, et qui a continué d’influencer des générations d’artistes successives depuis lors.

John et Alice Coltrane

L’œuvre fondatrice est sans aucun doute le chef-d’œuvre de John Coltrane, « A Love Supreme ». Enregistrée fin 1964, durant une période de profonde introspection, elle se voulait une offrande à Dieu – à la fois intensément personnelle et reflet de la quête plus large de nouveaux modes d’expression et d’identité que vivaient alors les artistes afro-américains. Pour Coltrane, ce fut une révélation : sa musique devint dès lors plus explicitement spirituelle, tout en s’inscrivant plus intensément dans le courant du free jazz. « Om » , enregistrée en 1965, tire son nom du son et du symbole sacrés au cœur des religions indiennes et débute par une récitation chantée de la Bhagavad Gita.

Après la mort de Coltrane en 1967, certains de ses proches musiciens ont cherché à poursuivre son œuvre, forgeant une musique profondément spirituelle explorant des sonorités et des philosophies non occidentales dans l’espoir d’apaiser une humanité en souffrance. Parmi eux, sa veuve, la pianiste et harpiste Alice Coltrane, occupait une place prépondérante. Disciple du gourou indien Swami Satchidananda, elle publia, à la fin des années 60 et au début des années 70, une série d’albums de plus en plus influencés par les traditions religieuses védiques hindoues. Son album de 1971, « Journey in Satchidananda », demeure un modèle intemporel pour la musique désormais connue sous le nom de jazz spirituel : profondément méditatif, imprégné du bourdonnement du tambura indien et construit autour de lignes de basse fondamentales.

Les années 1970

Un autre pilier du jazz spirituel se trouve dans l’œuvre du saxophoniste Pharoah Sanders, qui a joué dans les derniers groupes de John Coltrane. Des albums comme « Karma » (1969) – avec son morceau central « The Creator Has a Masterplan » – et « Izipho Zam (My Gifts) » Les albums de Sanders enregistrés en 1969 étaient des déclarations sincères d’aspiration spirituelle, mêlant free jazz et grooves profonds influencés par les musiques indienne et africaine. Sur « Prince of Peace », extrait de ce dernier album, le chanteur Leon Thomas reprend le refrain lyrique « Hum-Allah », ajoutant une dimension mystique soufie à cette œuvre puissante. Même sans exhortations lyriques explicites, les albums principalement instrumentaux que Sanders a enregistrés au début des années 1970, comme « Thembi » en 1971 , demeurent des modèles de jazz spirituel, imprégnant des grooves amples d’un profond émerveillement cosmique – un son que le pianiste Lonnie Liston Smith, collaborateur de Sanders, développera tout au long de la décennie.

Au début des années 1970, le guitariste britannique John McLaughlin, disciple du maître spirituel indien Sri Chinmoy, adopte le nom sanskrit de Mahavishnu et se consacre à des œuvres spirituelles profondes. Son album de 1971, « My Goals Beyond », comprend deux longs morceaux (« Peace One » et « Peace Two ») qui s’inscrivent parfaitement dans la lignée des explorations contemporaines d’Alice Coltrane, fusionnant des formes musicales indiennes avec des improvisations jazz fluides et ouvertes. Si le Mahavishnu Orchestra, formation jazz-rock explosive qu’il formera par la suite, s’éloigne quelque peu de l’idée conventionnelle du jazz spirituel, son projet Shakti, fruit d’une collaboration avec des musiciens classiques indiens, dont le violoniste L. Shankar, donne naissance à une musique profondément dévotionnelle. Leur premier album éponyme de 1975 comprend le morceau « What Need Have I for This–What Need Have I for That–I Am Dancing at the Feet of My Lord–All Is Bliss–All Is Bliss », qui ne laisse guère de doute sur les motivations de McLaughlin.

Il convient de mentionner un autre musicien pionnier dont l’œuvre n’est généralement pas considérée comme faisant partie du canon du jazz spirituel, mais qui a réalisé certaines des déclarations de spiritualité les plus intenses et les plus poignantes jamais enregistrées : le pionnier du free jazz et saxophoniste ténor Albert Ayler. Des titres comme « Spiritual Unity », « Spirits Rejoice » et « Holy Spirit » témoignent de la vision spirituelle apocalyptique qui sous-tendait sa musique d’une puissance explosive.

En réalité, depuis les innovations d’Ayler et de John Coltrane, une grande partie du free jazz est restée profondément imprégnée d’un ardent sentiment de spiritualité universelle. Le saxophoniste David S. Ware, pratiquant de longue date de la Méditation Transcendantale, a sorti des albums tels que « Great Bliss ». (1991) et « Renonciation » (2007) avant son décès en 2012. L’album « Double Sunrise Over Neptune » (2007) du bassiste William Parker est une œuvre ample et groovy, mêlant instruments d’Afrique du Nord et de l’Ouest et la voix de Sangeeta Bandyopadhyay aux influences indiennes. On peut aisément le comparer aux œuvres de McLaughlin et d’Alice Coltrane. Aujourd’hui, la jeune saxophoniste ténor Zoh Amba perpétue cette tradition : fervente adepte de l’Advaita Vedanta hindou, son style incandescent, dans la lignée d’Ayler (comme en témoigne son album « Sun » sorti en 2025), résonne d’une intense nostalgie – une quête musicale qu’elle décrit comme « la recherche, la découverte du Créateur ».

Jazz spirituel aujourd’hui

Au XXIe siècle, d’autres artistes continuent d’explorer l’héritage du jazz spirituel. Pour certains, cela signifie un retour aux sources. Ces quinze dernières années, le saxophoniste ténor britannique Nat Birchall s’est forgé une réputation – avec des albums comme « Spiritual Progressions » (2022) – en créant un jazz modal profond, puisant directement dans le son et la sincérité du John Coltrane du milieu des années 1960. Une ambiance également explorée avec une énergie débordante par le jeune saxophoniste américain Isaiah Collier sur son album ambitieux « Cosmic Transitions » (2021) .

Pour d’autres, les sonorités développées par Alice Coltrane et Pharoah Sanders exercent une fascination irrésistible. Le trompettiste britannique Matthew Halsall – lui aussi adepte de longue date de la Méditation Transcendantale – a patiemment exploré les trésors du jazz spirituel classique, comme en témoigne son single de 2015, enregistré avec le Gondwana Orchestra : une reprise d’une justesse et d’une profonde révérence de « Journey in Satchidananda » d’Alice Coltrane. Parallèlement, le label mancunien Gondwana Records, fondé par Halsall, accueille d’autres artistes britanniques attirés par le jazz spirituel. L’album « The Eternal Now » (2025) du saxophoniste et flûtiste Chip Wickham rend hommage à Pharoah Sanders de l’époque Thembi , tandis que l’Ancient Infinity Orchestra de Leeds, avec son album « It’s Always About Love » (2025), réunit un ensemble de quinze musiciens qui déploie une joyeuse musique où se mêlent harpe, contrebasses jumelles, cordes, anches et percussions diverses.

Même le son de Shakti de McLaughlin se voit modernisé par le groupe Jaubi, basé à Londres et Lahore, qui réunit de jeunes musiciens de jazz britanniques et des musiciens classiques d’Asie du Sud jouant d’instruments traditionnels comme le sarangi et le tabla. Leur album de 2024, « A Sound Heart » – dont le titre s’inspire d’un verset du Coran – est une fusion envoûtante de jazz électrique urbain et d’ambiances méditatives et planantes, incluant une version du raga classique Bairagi Todi.

Et le genre continue de s’étendre. Le travail du saxophoniste britannique Shabaka Hutchings avec des musiciens sud-africains – que l’on peut entendre sur l’album « Wisdom of the Elders » de Shabaka and the Ancestors (2016) – propose un jazz profond aux lignes de basse percutantes et aux influences africaines. Plus récemment, son exploration de la flûte, notamment du shakuhachi japonais, sur des albums comme « Afrikan Culture » (2023) , a donné naissance à une sonorité pan-mondiale subtile, puisant son inspiration dans les aspirations chaleureuses et spirituellement éclectiques de la musique New Age. De l’autre côté de l’Atlantique, le percussionniste et producteur Carlos Niño, basé à Los Angeles, explore les possibilités de fusionner l’esprit New Age avec des paysages sonores ambient et l’improvisation électroacoustique, comme en témoigne l’album « Openness Trio » (2025), paru chez Blue Note. Enregistré avec le guitariste Nate Mercereau et le saxophoniste Josh Johnson.

Les recherches se poursuivent.

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Daniel Spicer est un écrivain, animateur radio et poète basé à Brighton. Ses articles ont été publiés dans The Wire, Jazzwise, Songlines et The Quietus. Il est l’auteur d’ouvrages sur Peter Brötzmann, figure emblématique du free jazz allemand, et sur la musique psychédélique turque.

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