Tout d’abord, il peut être utile de définir l’improvisation, qui peut être considérée comme une « composition en temps réel ». Les grands compositeurs classiques « improvisaient », dans le sens où ils généraient un matériau qui coulait d’une idée à une autre et ne comportait pas nécessairement de motifs récurrents. Il est désormais largement admis que JS Bach était un improvisateur efficace en « temps réel » à l’orgue ou au clavecin.
Bien qu’il ait d’abord été plongé dans la musique classique lorsqu’il a commencé à jouer du piano à l’âge de trois ans, Jarrett s’est rapidement éloigné du matériel écrit. Lors de son tout premier récital en solo à huit ans, il a joué une pièce totalement improvisée intitulée « A Walk In The Zoo ». Dans une interview accordée à Studs Terkel en 1995, il a décrit l’improvisation comme son « essence » et, dans la dernière partie de sa brillante carrière de sept décennies, il est probablement devenu plus connu pour ses extraordinaires pièces pour piano solo. Jarrett n’est certainement pas le premier pianiste improvisateur solo, et de nombreux compositeurs de jazz notables ont adapté des morceaux d’improvisations de longue durée, mais il est la figure musicale qui a sans doute élevé ce format au rang d’art.
Le 30 novembre 1975, sortait « The Köln Concert». Pour célébrer cette sortie historique sur ECM Records, nous explorons six improvisations au piano clés de sa carrière.
« Partie 1 » de « The Köln Concert » (1975)
Dans une interview de 1987 avec Ben Sidran, Jarrett mentionnait que son approche immersive de l’improvisation s’apparentait à une « noyade » et qu’il s’agissait d’un « don… d’une chose sacrée, à ne pas prendre à la légère ». Cette improvisation épique de 26 minutes illustre peut-être le mieux ces aspects. Les problèmes de la soirée ont été bien documentés (un piano de mauvaise qualité et un manque de sommeil) mais, comme le travail d’un grand humoriste de stand-up, il y a une série de vignettes sans « jointures » évidentes ou marquage du temps, du lyrisme tendre de la section d’ouverture (utilisée dans plusieurs bandes sonores de films) aux effets presque sitar qui se déclenchent vers la 20e minute.

« Partie 1, 12 juillet 1973 » Extrait de « Brême/Lausanne » (1973)
Les pièces pour piano solo capturées dans le coffret « Bremen/Lausanne » ont fait sensation. Selon certaines sources, Jarrett souffrait énormément lors du premier concert à Brême – un problème de dos récurrent l’obligeait à porter un corset et à avaler des analgésiques. Mais ses proches, dont Manfred Eicher, pensent qu’il joue souvent mieux sous pression, et le concert a été un triomphe. La « Part 1 », d’une durée de 18 minutes, commence par arrêter le monde avec un lyrisme glorieux et flottant, avant qu’il ne se lance dans une démonstration extravagante de virtuosité semblable à celle d’un cor, soutenue par une basse complexe. Le morceau remarquable se termine par des clusters sonores menaçants et sombres, mais on a l’impression qu’il aurait pu durer beaucoup plus longtemps.
« Stella By Starlight » de « Standards Live » (1986)
Jarrett avait appris des centaines de standards au début de sa carrière professionnelle en jouant en solo dans les pubs et les clubs de Boston et de Pennsylvanie, et avait donc beaucoup à apprendre lorsqu’il a formé le légendaire Standards Trio avec Gary Peacock et Jack DeJohnette en 1983. Cette chanson de Victor Young composée pour un film hollywoodien sans prétention de 1944 est devenue un standard de jazz, mais on peut dire que Jarrett a produit la version définitive ici, enregistrée à Paris le 2 juillet 1985. Son intro a cappella de trois minutes est un mini chef-d’œuvre d’invention spontanée. Il réharmonise la mélodie et la fait passer par divers changements de tonalité, en s’appuyant sur des choix de notes étonnamment originaux tout au long du morceau. Il répète ensuite le tour pour son outro, avant de terminer le morceau sur une tierce majeure inattendue mais parfaite.
« Partie V » du « Concert de Budapest » (2016)
« Budapest Concert » met principalement en valeur le style tardif, sombre et complexe de Jarrett, mais « Part V » déchaîne une exquise ballade improvisée qui est si mémorable et autonome qu’elle semble avoir été pré-composée. Resplendissant des accords ingénieux de Jarrett, le thème principal est si instantanément familier qu’on jurerait qu’il vient du Great American Songbook.
« Partie V » du « Concert de Bordeaux » (2016)
Les rythmes ondulants et propulsifs et les mélodies superposées de type cuivres que Jarrett génère ici créent un morceau qui ne ressemble à rien d’autre dans sa discographie. La nature purement désinvolte de son jeu est presque celle de Cecil Taylor dans son intensité, faisant partie d’un album étonnamment ambitieux qui flirte avec l’atonalité et même le sérialisme.
« Straight No Chaser » de « The Old Country : More From The Deer Head Inn » (2024)
Le solo de Jarrett sur cette version du classique éternel de Thelonious Monk est une leçon magistrale de construction mélodique. Il commence par étirer le blues jusqu’à ses limites absolues, puis se développe en un ensemble fascinant de phrases « questions » et « réponses », parfaitement poussées par le batteur Paul Motian ; ce concert de septembre 1992 était la première fois qu’il jouait avec Jarrett depuis 1976. La parenté entre les deux est palpable, comme tout au long de l’album live « The Old Country ».
Matt Phillips est un écrivain et musicien basé à Londres dont les travaux ont été publiés dans Jazzwise , Classic Pop , Record Collector et The Oldie . Il est l’auteur de « John McLaughlin: From Miles & Mahavishnu To The 4th Dimension ».
Image d’en-tête : Keith Jarrett. Photo : Henry Leutwyler / ECM Records.