Avec plus de 2 200 séances d’enregistrement à son actif sur six décennies, le contrebassiste Ron Carter a marqué de son empreinte l’histoire du jazz. Après s’être fait remarquer au sein du second grand quintette de Miles Davis (Columbia, 1963-1968), il a participé à certains des albums de jazz les plus célèbres jamais enregistrés pour Blue Note et d’autres labels emblématiques tels que Prestige, Riverside, Atlantic, CTI et Milestone.

Musicien de studio extrêmement prolifique et très demandé, il a su s’adapter aux différentes évolutions rythmiques et harmoniques de nombreux grands noms du label Blue Note. Tout en se montrant d’une polyvalence constante sur les enregistrements d’autres artistes, il a également publié plus de 60 albums sous son propre nom.

Innovant par son jeu dans des contextes musicaux variés – du post-bop et du jazz modal à la fusion et au classique –, il a enregistré dans des formats allant des nonets de jazz de chambre et des trios intimistes aux quatuors progressifs et aux grands big bands.

Plutôt que de se tourner vers le passé, Ron Carter est résolument tourné vers le présent et l’avenir, comme en témoignent ses récentes sorties, notamment une participation à l’album « Two, Vol. 2 » de Walter Smith III et un nouvel album de jazz gospel pour Blue Note, « Sweet, Sweet Spirit », avec le chanteur Ricky Dillard.

« Sweet, Sweet Spirit », un hommage à la mère de Carter, est un recueil de ses hymnes préférés, composés à la basse par Carter durant ses derniers jours. « Nous avons beaucoup travaillé sur les arrangements, les musiciens, le planning et le studio », me confie Carter quelques jours avant ses concerts d’anniversaire avec son Foursight Quartet au Blue Note de Manhattan. « Trouver un studio encore ouvert à New York a été une véritable prouesse, tout comme l’enregistrement lui-même. C’était l’un des nombreux défis que nous avons dû relever pour faire de cet album ce qu’il est. »

Ayant grandi à Ferndale, dans la banlieue de Détroit, l’église lui a enseigné le pouvoir de la musique au sein de la communauté. « Chaque église avait une chorale et les fidèles chantaient ces hymnes comme un cri de détresse. Ce n’était pas simplement un lieu de rencontre ou d’échange de recettes », explique-t-il. « Le chant était leur moyen de communication, à travers leurs sermons et les paroles de leurs cantiques. C’était leur façon de protester et de trouver un réconfort face à leurs souffrances. »

Quatre-vingts ans plus tard, Carter arrange des chansons de son enfance, sans vraiment en comprendre le sens à l’âge de dix ans. « Il me fallait trouver les bonnes notes de basse et leur placement idéal, pour qu’elles ne nuisent pas à la force des paroles », explique-t-il. « Mais il fallait aussi que la basse reste le ciment qui unit le tout. »

Carter a commencé la musique à l’âge de 10 ans, encouragé par sa mère à intégrer le programme musical de son école. Il a choisi le violoncelle et ce n’est que durant ses études à la prestigieuse Cass Technical High School qu’il s’est mis à la contrebasse, lorsque son camarade Paul Chambers est parti pour New York. « Il y avait une place dans l’orchestre de l’école, alors je me suis dit : “Je vais le faire.” J’ai donc convaincu mes parents de m’acheter une contrebasse : j’ai vendu mon violoncelle et j’ai pris des cours », se souvient-il.

Ces solides bases en musique classique allaient avoir une influence profonde sur son avenir de musicien de jazz. « La notion de construction d’un morceau s’est avérée essentielle pour moi par la suite, lorsque j’ai commencé à composer pour le jazz. Cela m’a permis de déceler les failles d’une chanson, une structure inadaptée ou un enchaînement d’accords mal conçu et inefficace », explique-t-il. « Cela m’a aussi appris à optimiser mon travail. Le niveau de compétition à Eastman était tellement élevé que je devais redoubler d’efforts, car les institutions classiques ne s’intéressaient guère aux musiciens de couleur. »

Pendant ses études à Eastman, Carter a donné ses premiers concerts de jazz au Pythodd Club, au sein d’un groupe avec Pee Wee Ellis. Puis, en 1959, il a décroché son premier grand contrat avec le quintette du batteur Chico Hamilton. « J’avais rencontré Chico à un concert à Rochester et il m’a dit que le violoncelliste de son groupe allait prendre sa retraite à leur arrivée à New York. Je me suis dit : “Je peux faire ça !” Alors, après avoir obtenu mon diplôme, je suis parti pour New York en août 1959 », se souvient-il. « À mon arrivée, Chico m’a annoncé que le bassiste partait et m’a dit que le poste était toujours disponible, mais que je devais me lever. J’ai donc décroché le poste de bassiste avec Chico et Eric Dolphy. C’était mon premier grand concert à New York. »

Ce fut le début d’une collaboration fructueuse. En 1961, Carter rejoignit Dolphy au studio Van Gelder pour l’album « Out There », sorti la même année chez New Jazz (qui allait bientôt devenir Prestige). Carter y releva avec brio le défi de cette musique d’avant-garde au violoncelle, accompagné de George Duvivier à la contrebasse. « Ce qui m’a le plus marqué chez Eric Dolphy, c’est son dévouement à la pratique. Il jouait sans cesse, même avec les oiseaux dans son jardin », raconte Carter. « Il m’a aussi aidé à mettre des mots sur ce que j’essayais de faire, ce qui m’a permis de trouver ce que je cherchais. »

« Chaque saxophoniste avait son propre son avec le même instrument, et il me semblait évident que je devrais pouvoir faire la même chose à la basse », ajoute-t-il. « Je ne savais pas ce que cela impliquerait… mais je comprenais les changements d’harmonie car j’avais étudié cela à Eastman et je savais analyser les accords. Je comprenais donc la puissance d’une note de basse et j’étais déterminé à faire ressentir cette puissance à mes musiciens. »

Un an après les sessions d’« Out There », Carter (à la basse et au violoncelle) invita Dolphy et Duvivier à revenir au studio Van Gelder avec le pianiste Mal Waldron et le batteur Charles Persip pour son premier album solo, « Where? », également paru chez New Jazz. C’est lors d’une résidence de deux semaines avec le quartet du trompettiste Art Farmer au club Half Note de New York en 1963 qu’il fut approché par Miles Davis. « Il m’a dit que le groupe se séparait car Jimmy Cobb et Paul Chambers partaient rejoindre le quartet de Wes Montgomery et qu’il me voulait comme prochain bassiste », raconte Carter.

En rejoignant le second quintette de Miles Davis avec le batteur Tony Williams, le pianiste Herbie Hancock et le saxophoniste Wayne Shorter, Carter a contribué à redéfinir le jazz moderne grâce à six albums novateurs enregistrés pour Columbia entre 1963 et 1968 : « ESP », « Miles Smiles », « Sorcerer », « Nefertiti », « Miles in the Sky » et « Filles de Kilimanjaro » (sur lequel il jouait de la basse électrique). « Il se passait beaucoup de choses à cette époque, mais dans la formule des petits groupes, c’était le groupe par excellence », explique Carter.

Les cinq années passées avec Miles ont beaucoup appris à Carter sur le rôle de chef d’orchestre. « Les remarques de Miles n’étaient pas des ordres », explique-t-il. « Il ne disait jamais : “Hé, mec, tu dois jouer ça”. C’étaient toujours des suggestions, jamais des injonctions… Mais il était toujours à l’écoute. Mon rôle à l’époque était de jouer les notes que je voulais, et si je parvenais à capter son attention, je pouvais l’orienter. Mais il fallait absolument que je sois attentif. »

Ce que Carter apporta aux sessions de Miles durant cette période charnière allait des lignes de basse entraînantes qui propulsèrent « ESP » aux harmonies complexes de « Nefertiti », tandis que le Quintet repoussait les frontières du post-bop vers la fusion de l’ère électrique de Miles. « À l’époque, on ne s’intéressait pas vraiment aux bassistes dans les groupes de jazz. Je voulais être sur le devant de la scène parce que j’avais quelque chose à dire », explique Carter.

Bassiste le plus prolifique de Blue Note dans les années soixante, il a participé à des sessions légendaires comme « Maiden Voyage » d’Herbie Hancock, « Speak No Evil » de Wayne Shorter, « Kofi » de Donald Byrd, « The Real McCoy » de McCoy Tyner, « Components » de Bobby Hutcherson et « Mode for Joe » de Joe Henderson. « Ce qui me frappe d’emblée à propos de ces albums, c’est que nous répétions rarement », explique Carter. « En général, nous n’avions pas le temps de nous réunir avant d’entrer au studio Van Gelder de Rudy, car chacun était pris par ses propres concerts et projets musicaux. La composition des groupes sur ces albums était donc en grande partie le fruit du hasard. Mais Alfred Lion faisait confiance aux chefs d’orchestre pour prendre les bonnes décisions. Et ils partageaient tous son sens commercial de patron de label. »

Au milieu des années 70, Carter a participé à une série d’albums de fusion et de jazz funk novateurs pour le label CTI de Creed Taylor (avant de rejoindre Milestone), collaborant avec des artistes tels que Freddie Hubbard, George Benson et Hubert Laws, et enregistrant également cinq albums sous son nom. Parmi ceux-ci, « Blues Farm », où il a commencé à explorer les possibilités mélodiques de la basse piccolo, plus aiguë. « Mon ami, le bassiste Richard Davis, connaissait un luthier du New Jersey qu’il m’a présenté. Je lui ai dit que je voulais une basse plus petite, qui me permette de jouer dans un registre plus aigu », explique-t-il.

Ces dernières années, sa production pour Blue Note a exploré un large éventail de styles, du jazz baroque de « Carter Meets Bach » (1992) au post-bop de « Bass and I » (1997), en passant par « Jazz & Bossa » (2008) jusqu’à son actuel album de jazz gospel avec Ricky Dillard. « Sur cet album de gospel, on entend tout ce que j’ai appris en côtoyant ces légendes pendant 65 ans », explique-t-il. « Toutes les leçons tirées de mes collaborations avec Miles Davis, Randy Weston, Herbie Mann, Bobby Hebb et Sam Rivers – tous ces enregistrements où j’étais sideman – se retrouvent dans ce dernier projet, qui en est l’aboutissement. »

Nous allons ici examiner certaines des contributions de Carter à certains des albums classiques de Blue Note sur lesquels il a figuré.

Herbie Hancock – Voyage inaugural

Le 17 mars 1965, Ron Carter rejoint Herbie Hancock, leader du groupe, et Tony Williams, batteur et ancien membre du quintette de Miles Davis, ainsi que le trompettiste Freddie Hubbard et le saxophoniste ténor George Coleman, au studio Van Gelder pour enregistrer cet album phare du jazz modal. Ce sera le deuxième des trois albums que Carter enregistrera avec Hancock pour Blue Note, entre « Empyrean Isles » (1964) et « Speak Like a Child » (1968), avec un jeu du contrebassiste particulièrement lyrique et sophistiqué.

Joe Henderson – Mode pour Joe

Dernier album de Joe Henderson en tant que leader dans les années soixante, et son unique album avec un septet pour Blue Note, « Mode For Joe » met en vedette Ron Carter aux côtés de Lee Morgan à la trompette, Bobby Hutcherson au vibraphone, Curtis Fuller au trombone, Cedar Walton au piano et Joe Chambers à la batterie. L’une des marques de fabrique du jeu de Ron Carter est son jeu de basse caractéristique, et « Mode For Joe » en est un excellent exemple, propulsant le septet sur ce qui s’apparente à un chef-d’œuvre du jazz modal. Carter poursuivra sa collaboration avec Henderson sur les albums suivants du saxophoniste ténor chez Milestone.

Wayne Shorter – L’Odyssée d’Iska

Après ses collaborations avec Horace Silver , c’est avec Wayne Shorter , son collègue du second quintette de Miles Davis, que Carter a enregistré le plus d’albums pour Blue Note. La série de six albums, débutée en 1964 avec « Speak No Evil », s’achève en 1970 avec la fusion visionnaire d’« Odyssey of Iska », enregistrée juste avant l’arrivée de Shorter au sein de Weather Report. Accompagné de Dave Friedman au vibraphone et au marimba, de Gene Bertoncini à la guitare, de trois batteurs et de Shorter aux saxophones ténor et soprano, Carter et le bassiste Cecil McBee proposent un jeu oscillant entre les lignes d’archet inquiétantes de « Wind » et le pizzicato virtuose de « Joy ».

McCoy Tyner – Extensions

Outre Miles Davis, l’artiste avec lequel Ron Carter a enregistré le plus d’albums était le pianiste McCoy Tyner , dont trois pour Blue Note et six pour Milestone. « Extensions », sorti en 1970, fut le dernier album de Carter avec Tyner pour Blue Note, après « The Real McCoy » (1967) et « Expansions » (1970). Sur cet album, le bassiste rejoignit l’une des formations les plus prestigieuses de Tyner : Gary Bartz au saxophone alto, Wayne Shorter au ténor et au soprano, Elvin Jones à la batterie et Alice Coltrane à l’harmonica. Cet album faisait le lien entre les albums post-bop de Tyner pour Blue Note et les explorations du jazz modal international pour Milestone, auxquelles Carter participa activement tout en poursuivant ses recherches sous son propre nom.

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Andy Thomas est un auteur londonien qui collabore régulièrement avec Straight No Chaser, Wax Poetics, We Jazz, Red Bull Music Academy et Bandcamp Daily. Il a également rédigé les notes de pochette des albums Strut, Soul Jazz et Brownswood Recordings.

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_{Image d’en-tête : Ron Carter. Photo : Paul C. Rivera.}